有人说，电影是所有艺术的“终结”，它不光具备大量文学、音乐、绘画、建筑、舞蹈、戏剧等传统艺术的基因，更因为它可以以极其“逼真”的方式成为“现实的渐近线”。所有艺术都来源于生活，而电影是一种以最大限度地接近生活的方式去讲述一个高于生活的故事。电影具有较为鲜明的时代特征，特别是作为一部商业电影，更会将当下观众的口碑作为影片成功的主要标志。那么，像《神话》这样一部超现实主义商业影片，如何在当代民主、科学、理性的时代，将一段带有封建烙印和魔幻色彩的故事，讲得绘声绘色并为大众接受呢？本文即从影片蕴藏的“传统思想与现代精神”、“神秘主义与科学理性”两对矛盾出发，分析影片作者是如何运用电影叙述策略，巧妙地化解并缝合二者之间的冲突，并最终实现对“成人童话”的成功讲述。

               一、化解儒家忠君报国的传统观念与现代人自由平等观念的矛盾

          从文化学角度看，《神话》的古代故事部分所塑造的大将军正体现了封建文化中的“愚忠”思想。为了腐朽的封建君主，可以牺牲自己的爱情和生命。在儒家的伦理观中，君臣纲是最重要的社会规范，是社会价值观的核心。虽然儒家的思想在东南亚的华语圈内一直影响深远，但是对于现代人来说，伴随着现代市场经济的发展和思想的解放，人们更多追求的是自由、民主、平等的价值观念，这就在观众的接受心理上设置了一道天然屏障。那么，如何运用影片的叙述策略消除这一思想观念壁垒，更好地协调人物性格的“古今”差异，使得观众对人物性格实现“单向度”的理解呢？《神话》在平衡这一关系中，分别从主题定位、叙事结构、表现手法等多方面进行了现代性的转换，使得这一矛盾得到了较为成功地化解。
         1、从主题定位上看，“神话”的名称便暗示了影片叙事和表意的总体风格，导演避开对人物文化批判意义上的表达，而将浪漫主义与唯美主义作为影片“讲述什么”和“怎么讲述”的基本格调。
          综观近两年中国（含港台）制作的大片，大多将故事背景置于古代或近代，使得影片题材在时空上与当代社会保持...

           动作导演“易主”现象，算是香港与内地影视界加大合作以后出现的一个新问题。究竟是吹毛求疵，还是另有隐情？是香港方面不服水土，还是大陆这边错综复杂？千丝万缕，有心者慢慢品尝...

       1，  剧组炒作：

         几年前，武侠巨构《英雄》尚在酝酿当中，关于动作指导的人选问题，已经闹的沸沸扬扬。最终结果是，原定的动作指导董玮被程小东替下。平心静气分析，《英雄》武指更换事件，根本就是一条不是新闻的“新闻”，我们需要思考的是，事件始末是不是足以被人们当成“事件”而大肆传扬。一直在想，作为一部彰显浪漫与唯美的武侠大制作，董玮的风格是否能够融合其中，并对全篇从容驾驭？众所周知，董玮动作指导的成名作是《神偷牒影》和《紫雨风暴》，双双获得香港金像奖最佳动作指导奖。董玮擅长的是节奏明快和短促的时装动作片。一肘、一拳、一脚，动作（剪辑）迅即完成，这是董玮的招牌特色，而这样急促的动作处理，谁都知道不适于古装武侠。最重要的是，目前为止，董玮作为动作指导，其身影从未出现在任何一部古装武侠剧中。除非以张艺谋为首的《英雄》剧组对董玮偏爱有加、信心十足，或是甘当吃螃蟹第一人，否则投资几个亿的史前大制作，在“第二导演”（动作指导）的选择上，不至于这么不上路吧。思前想后，唯一合理的解释，应该是剧组的炒作。一个尚处虚拟中赏未形成的构思、计划被否决，却被堂而皇之摆上桌面，作为一条极具“价值”的娱乐新闻供大家品评。不是事儿的事，反倒成了事儿。

   2，  导演摄政：

          出处：端木看电影http://chris1980.blog.sohu.com/4166022.html

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           黑色的包装、黑色的碟片、黑色的“黑社会”，造成了我们对于这部影片最直观的感觉。之前见过影片的海报，还在某论坛上看到过有关港版、大陆版的描绘文章。于是，对于大陆发行的“中凯”版本，一直没有购买的欲望。据说，为了能够在大陆发行，影片不仅更名为《龙城岁月》，还删去很多暴力画面，甚至连最终的结局，两个版本也有两个截然不同的结局。我想作为一个导演，要改掉自己作品的结局以顺应市场，他将要做出多么大的精神牺牲。

           当我得到港版的《黑社会》时，我的内心是非常激动的。当影片进行到5分钟的时候，我突然发出感慨：金像奖最佳影片，非它莫属。仅仅看它的海报，看它的包装，看杜琪峰影片中一如既往的型男群体：任达华、梁家辉、古天乐等等。让人回想起以前的PTU、暗戰、枪火。在位居黑帮片头把交椅的杜琪峰手里，要把一部黑色压抑、且剧情跌宕、布局精巧的影片做到令人“惊艳”，简直易如反掌。加之“御用”编剧游乃海，执行导演罗永昌，还有银河映象的拍摄制作，都给这部影片加上一记重重的砝码，同时也深深打上“杜琪峰作品”的印记。

           然而影片进行到50分钟的时候，45分钟前的惊羡感、新鲜感荡然无存。游乃海极似神来的编剧手法，在影片中并不出彩，远远没有其以往作品如暗戰系列，以及暗花等来得痛快。整个情节设置没有了天马行空、没有了跌宕起伏。甚至传统的游乃海式的“突兀情结”也始终没有出现。我们不怀疑游乃海的编剧能力有所蜕变，唯一合理的解释，应该在导演兼监制杜琪峰那里。

           我们以往看杜琪峰的影片，特别是银河映象的影片，杜琪峰由始至终贯穿着的是一种浪漫、轻松的基调。不管剧情如何紧张，极具跳跃感的背景音乐，以及写意手法的画面营造，总会让人感到一种欣赏的美感。枪火中装卸枪支的画面、PTU中林雪寻枪中跳跃的步伐、暗戰2中刘青云与郑伊健追逐的快乐等等，都给人留下极深印象。总的来说，这些都牵扯到枪战、黑社会内讧，以及兵贼争斗，但是导演都能在音乐的调和下，使之庄重感与压迫感立刻烟消云散，留给我们的反而是一种黑色的宁静，一�...

          看到《无影剑》，让人想起几年前的《飞天舞》。同样是极具韩国风情的古装江湖片，也同样是来自中国的武侠动作元素，造就了“韩国武侠片”这个司空见惯但又略显怪异的电影概念。武侠片是一个大范围的名词，中国有自己的武侠，日本也有自己的武侠，韩国也会有自己的武侠，以古中国文明为根或有千丝万缕联系的东方诸国，“武侠”这一共同的文化，由始至终贯彻于历史文明进程的每一个阶段。
          其实日本的武士电影，可视为已经日本化了的武侠电影。悠远的背景音乐、黑色的和服、沉默寡言的人物，以及手中的东洋刀，诸如此类的历史、音乐、光影等元素，构成了日本武士电影的独有魅力。
          韩国由来已久的多种历史文化沉积，以及韩国电影广罗万象与兼容并包的现状，使得韩国式的古装武侠没有日本武士电影“本土”的彻底，更不及中国武侠电影这般广博大气。韩国崛起的武侠电影，更像是在中日夹缝中挣扎求存的一个新生儿。嗷嗷待哺与无人问津，促使韩国武侠电影急切向别人“借奶”，以此对付现时的肚饿。于是，极港式和中国化的武术指导的加盟，便是情理中的事情。香港动作指导马玉成的参与，使得这部影片更像是香港武侠电影的一个分支（变种），加之影片不远万里来中国实景拍摄，当观众徜徉于熟知的宫墙巷陌之间，很难令他们感觉到这是一部纯粹的韩国电影。
          我们不得不佩服韩国电影人的聪慧好学和虚怀若谷，处于尝试阶段的任何片种，他们都能够从近邻或者好莱坞，找到学习与仿制的模板。当我们从《太极旗飘扬》看到向《兄弟连》、《拯救大兵瑞恩》等好莱坞影片致敬的涵义，当我们看到韩式惊悚片与日本心理恐怖片如出一辙的时候，我们应当预料的到，随着武侠电影的全球风行，按耐不住寂寞，但又苦于无处下手的韩国影人，必定向中国“借兵”。极度商业化和单纯为电影而电影，会导致电影人完全放下面子，致力于学习、交流一切有益于电影的先进技术和电光元素。正是在这个大前提下，韩国电影一夜之间崛起了，中国本土电影也由此获得一些生机，《英雄》便是如此。
          我们看到：中国与韩国混合而生的《无影剑》，单纯讲述韩国的历史...

程小东作品

Ching Siu Tung is among the most talented "wire fu" action and martial arts directors in the Hong Kong film industry. He has made such classics as A Chinese Ghost Story trilogy, Swordsman trilogy, Witch From Nepal and Heroic Trio 1 and 2 (with Johnnie To). Duel to the Death (1982) is among his very early directorial efforts (as far as I know, this was his FIRST film as a director), and this film shows his great talents and visual eye. The film tells about the traditional sword fight contest in which the best fighter of Japan and best fighter of China duel, and in most cases, to the death. In this film, these two sword masters become friends and soon they have other enemies to fight. The plot is not the most important thing in these movies. The great visuals and cinematic magic are the things which make these Orient films so unique compared to others.

          The incredible color world is shown for the first time at the very beginning of the mo...

   近年来，中国电影市场应该是国产大片的天下。除去依然坚守艺术电影的导演们，中国的第五代、第六代导演已经呈现出分化趋势：一部分已经完全被“国产大片”这一新兴产业吸引，像张艺谋在《千里走单骑》短暂回归后，继续大手笔打造“黄金甲”；还有一部分比较特殊，就是完全被港台“同化”，我们还记得那部《卧虎》，导演王光利正是内地第六代少壮导演“南下”的代表。内地导演“港化”和港台导演“内地化”本来就是相互存在的，内地市场的迅速开发，也使得一些顶级港片导演“北上”寻求发展。其实，随着电影文化的跨区域交流加深，“华语电影”似乎已经那个涵盖这些地域概念，笔者如此刻意的区分实在显得毫无意义。

   这两年，香港导演与内地电影界一直保持着千丝万缕的联系。“合拍片”这个概念的提出，让一大批优秀的港片如《神话》、《功夫》名正言顺的入主“金鸡”、“百花”等国内大规格电影节。港产影片终于能够在“合拍片”的名义下，分得内地市场一杯羹，并登上主流文化的行列，这是香港电影半个世纪以来的梦想。在这样百利无害的驱动下，香港导演对“合拍片”纷纷示好，前有唐季礼《霹雳战警》和《神话》珠玉在前，后有周星驰“无厘头”的功夫风暴，而在未来一两年，凭借《如果.爱》将香港文艺片推上颠峰的导演陈可辛，也大胆改变戏路，以一部《刺马》对高投资、大制作的“合拍片”模式进行新一轮诠释。不可讳言，近两年合拍片的成绩我们有目共睹，除了内地的主旋律是“生人勿近”外，有数的几个优秀“国产片”多多少少都有合拍片的影子。

  “合拍片...

      中国内地的影视剧，难得看到浪漫的爱情。一旦牵扯到爱情，要么就是《菊豆》和《红高粱》这样赤裸裸的描绘近似原始的情感，要么就像《白蛇传》或《梁山伯与祝英台》那样炒古人的爱情剩饭。中国的古老深邃，中国人“讷于言而敏于行”本性，让我们长久与浪漫背道而驰，直到如今，我们仍旧觉得所谓的“罗曼蒂克”，仅仅只是一个舶来品。更为遗憾的是，长期以来我们习惯了用社会的大标尺丈量作为个体的人，像中国少有的浪漫著作《西游记》、《红楼梦》，我们总会不满足于对浪漫的欣赏，反而意犹未尽的为它们圈上“反抗腐朽的统治阶级”这样的注脚，让人顿觉风景大煞。个人认为，这类作法是在已经缺乏浪漫的中国，对仅存的一点浪漫情调做出的进一步破坏。  

      像这样盲目的扩大，甚至人为制造文艺作品的社会功利作用和教化功能，完全属于一厢情愿的作法。长此以往，其后遗症是明显的。提到中国电影，我们常常会意识到这样一个怪圈：中国电影频频在国际获奖，但是一方面在国内无人问津，另一方面在国际上一直以来也难树信心。重重光环之下，却难觅胜利的喜悦，更难以感受到中国电影繁荣的气象，这一怪圈的症结在哪里呢？说穿了就是没有做到“以人为本”，反而一味追求电影作品的文学韵味和社会意义，让人难寻真实的人物和浪漫的情感，充斥眼前的都是大写的“人”。加之这些获奖作品又无一例外的“凝重”，让观众不多的欣赏趣味也随着消逝殆尽，于是，感动评委却入不得观众眼，便使得此类作品始终处于“一头沉”的尴尬境地。而过分强调电影作品的社会功利作用的结果是，连做电影的人也慢慢的功利起来，要他们在评委和观众之间做出选择，他们多会毫不犹豫的选择前者。 

      过分强调社会功能，无疑会使一个多小时的电影作品背负许多莫名的“责任”，于是娱乐的功能没有了，教化的声音响起来。责任讲的多了，大话听的多了，心里想浪漫的那份情趣却已荡然无存。借用笔者之前的一个观点，“影视剧对于人的教化作用很是低微，往往观众能够产生共鸣的时候，就表示观者已经具备了这样的特性，比如善良、同情、愤怒、正义等等。观众需要的仅仅是一般意义上的欣赏而已。”而过分用文人晦涩的笔调书写电影，是中国电影的另一误区。文人的酸涩迂腐历来如此，何苦再让这股酸味肆意进入电影这一普通大众的娱乐方式？文人受“天下忧乐”观的影...

     终于又能见到王晶的电影了。还在这个月初，看湖南卫视的《背后的故事》，憨态可掬的王晶在整个访谈中对自己的这部影片只字不提。可能连他自己也不会想到，如今的《卧虎》恰好见证了他过去以及未来的人生之路。

 看过香港电影的，就不会不知道王晶。从影20多年，编、导、演300多部影片，这是香港这个东方电影产地的奇迹，也是王晶所谓“鬼才”的直接见证。师从其父王天林，以夸张怪诞且又内外兼收的笔调，对香港影坛进行一番肆意的浓妆艳抹。王晶天马行空的才情与敢为人先的胆识，在华人电影世界里，绝对找不到第二个人来。我们还记得颇受微辞的周星驰“无厘头”，多少导演对此不屑一顾，只有王晶斗胆把它搞得有声有色。喜剧片狂放，警匪片的智勇较量，以及黑道片中关于黑白取舍、人性归属的无奈与抉择，风格迥异的影片，均在王晶手中耍出类型片独有的韵味。王晶的全才，是香港商业电影高度发达情形下的一种理想境界。

2003年，一部《无间道》震撼香江。一板一眼的刘伟强在香港电影迷离之际，破天荒的成就一个香江电影的传奇。而此时的王晶，却独辟蹊径，用《无间道》中男女一号之外的原班人马，写就一部《黑白森林》。其跟风之快，改编之妙，令观众咋舌。和当时风头强劲的《无间道》不同，王晶作品依然固守了他一贯善于讲故事的优点，并把那种警匪斗智的紧凑感发掘无余。人们突然发觉，王晶变了，王晶作品更新了！而我们突然又意识到，像他这样的鬼才，不畏人言的跟风，又加以大胆改造，同时代一切最新的信息，他都能够心安理得的为我所用，这又未尝不是一种“敏而好学”的良好作风啊。90年代初，导演刘镇伟推出“赌圣”获得成功，王晶在此启发之下一口气推出“赌侠”、“上海滩赌圣”和“中华赌侠”，赌片的风光让他一人占尽。触觉敏锐的王晶“跟风”与“创新”双管齐下，效果是明显的，但这样的做法...